Refaire un film classique, c'est comme mettre votre enfant en adoption. Vous ne devriez le faire que si vous avez cruellement besoin d'argent, et même dans ce cas, c'est une tragédie. Nous espérons que le sarcasme ici va de soi, tout comme la cupidité des studios modernes lorsqu'il s'agit de sacrifier nos souvenirs cinématographiques au profit du dollar tout-puissant.
Cracherais-tu sur un Van Gogh? Modifier Faulkner? Apprivoiser Tchaïkovski? Si votre réponse est autre chose qu'un «NON» retentissant, alors priez pour le pardon. Rappelez-vous: apporter les changements les plus subtils au teint de la peau de Yoda dans la collection remastérisée Star Wars a fait de George Lucas un paria, alors que ce soit un avertissement à Hollywood: vous restez pertinent et essentiel à la culture et à la politique en raison de votre créativité. Continuez à exploiter cette ressource et résistez à la tentation de rechaper un terrain sacré. Il est dans votre intérêt de laisser les véritables joyaux de l'histoire cinématographique à la Criterion Collection, au Smithsonian et au US National Film Registry.
Nous avons déjà couvert 10 films que Hollywood va inévitablement refaire, mais voici notre liste des 10 films que Hollywood ne devrait jamais refaire:
Autant en emporte le vent (1936)
L'adaptation du roman de Margaret Mitchell de 1936 exigeait un niveau de dévouement et de grandeur qu'Hollywood n'avait jamais connu. À bien des égards, Autant en emporte le vent de Victor Fleming est devenu la référence de l’épopée cinématographique. Ne laissant rien au hasard avec sa vision globale de l'avant-guerre au sud dans sa première moitié, et la destruction totale des luttes intestines américaines et les tentatives de reconstruction dans la seconde, le film de 1939 laisse une impression difficile à ébranler.
Vivien Leigh, Clark Gable et Hattie McDaniel ont livré certaines des performances les plus mémorables de leur époque, remplissant l'écran de contrastes saisissants d'émotion mercurielle, de masculinité d'antan et d'humour ironique. Accompagné de la vague de fond d'une vingtaine de Max Steiner, Autant en emporte le vent a tiré sur tous les cylindres. Pourrait-il être refait aujourd'hui? Au nom seulement.
8 Casablanca (1942)
Trois ans après le succès de Autant en emporte le vent, le système de studio hollywoodien a chuté avec sa production mercantile de films. Ils avaient une formule qui fonctionnait. Lorsque Casablanca est tombé sur le brochet en tant qu'adaptation de la pièce non produite, Everybody Comes to Rick's, elle a été mise sur la voie rapide de la production pour capturer le zeitgeist de la Seconde Guerre mondiale lors de l'invasion alliée de l'Afrique du Nord.
La sortie du film s'est avérée brillamment chronométrée, et bien que Casablanca ait bénéficié d'excellents retours au box-office et d'une réaction positive de la presse, il s'est accroché à la conscience publique bien après ses débuts. Grâce à un scénario transcendant qui offre des lignes mémorables pour chaque scène du film, le drame de guerre du réalisateur Michael Curtiz reste l'un des films les plus romantiques jamais créés. Humphrey Bogart et Ingrid Bergman brûlent l'écran. L'imagerie, la musique et le ton sont presque oniriques, et chaque fois que vous avez fini de regarder Casablanca, vous avez envie de le rejouer.
7 Citoyen Kane (1941)
Orson Welles n'avait que 26 ans lorsqu'il a réalisé Citizen Kane, versant une maturité et une gravité dans le film que peu de réalisateurs ont depuis. Fervent homme de théâtre, Welles a passé sa vingtaine à se consacrer à la scène malgré les avances financières d'Hollywood. Lorsque ses efforts de théâtre l'ont laissé dans le besoin d'argent, il s'est envolé pour Los Angeles et, après une tournée des studios RKO, a signé un contrat de deux photos avec ses dirigeants.
Welles possédait sûrement les grâces sociales de la marque Clooney, car le réalisateur pour la première fois repartait avec un budget lourd, une autonomie de scénarisation débridée et, l'étalon-or du pouvoir de réalisateur, les droits de montage final dans la salle de montage. En substance, les esprits brillants de RKO ont confié à cet artiste du milieu des années 20 les clés du royaume.
Jouant souvent des tours en studio et travaillant 24 heures sur 24, il a réalisé le film exactement comme il l'avait imaginé. Citizen Kane est non seulement une icône durable de Hollywood vintage, mais il doit être présenté comme la preuve que les grands réalisateurs méritent un contrôle créatif complet. Si, pour chaque dix tentatives avortées de grandeur, le public obtient un Citizen Kane, alors le pari du "Dictator Director" bat la bureaucratie du studio à long terme.
C'est une vie merveilleuse (1946)
Bien qu'il soit souvent considéré comme un film de Noël, le film émouvant de 1946 de Frank Capra est un drame déchirant dans un drame vêtu du Père Noël. Les pensées suicidaires, telles que celles vécues par George Bailey (James Stewart), ne font pas rire. C'est peut-être pourquoi les meilleurs moments du film nous rappellent que nous vivons en effet une vie merveilleuse.
C'est le genre de film qui vous donne envie de faire un câlin à votre famille et de ralentir les choses pendant une minute. Le méchant méprisable, M. Potter (Lionel Barrymore), vous fait ramper la peau avec sa cruauté égoïste, fournissant presque un appel à l'action contre la tendance sociale à la cupidité.
It's a Wonderful Life a ses moments d'horreur, surtout quand George Bailey voit ce que serait la vie sans lui. Capra dirige ces séquences avec une qualité cauchemardesque qui hante aussi volontiers que les scènes de réconciliation attirent. Assez de compliments ne peuvent être donnés à Jimmy Stewart pour cette performance, et pour cette seule raison, le film devrait rester complètement intouchable.
6 Cool Hand Luke (1967)
«Ce que nous avons ici, c'est l'échec de la communication!» Ainsi parle le capitaine sadomasochiste (Strother Martin) dans Cool Hand Luke, illustrant exactement la différence entre les hommes faibles de son acabit et l'esprit indomptable d'hommes comme Lucas «Luke» Jackson (Paul Newman). Donn Pearce et Frank R. Pierson ont écrit un scénario hermétique qui offrait à M. Newman son tour de force sur un plateau d'argent.
Cool Hand Luke ne peut jamais être réitéré car le film est défini par son acteur principal. Cette marque d'arrogance et de dépression profonde a fait de Newman aux yeux bleus un paradoxe. Il a réussi ce cocktail dramatique dans The Hustler, à peine six ans auparavant, et il a perfectionné son art depuis lors. Dans le film, Newman incarne un vétéran de la guerre de Corée qui fait vibrer la populace qui se fait accrocher à un gang de chaînes pour avoir décapité des parcmètres en état d'ébriété.
Les choses semblent sinistres pour Luke, mais pendant qu'il purge sa peine, il redécouvre sa ténacité et, à travers une série de procès en prison, devient l'homme le plus respecté de la prison. Sans surprise, Cool Hand Luke est devenu l'un des films les plus respectés de l'histoire.
5 Le Parrain (1972)
Celui qui refera le classique de Francis Ford Coppola sera sûrement l'antéchrist. Toute tentative de réinventer l'épopée de Corleone serait une insulte vivante au cinéma, à Brando, Pacino, de Niro, Duvall, Cazale et les innombrables autres artistes qui ont pris le livre de Mario Puzo et l'ont transformé en un morceau de poésie pure.
Comment commence-t-on à décrire la magnificence du classique de 1972? Le barde aveugle n'avait pas besoin de beaucoup décrire Helen of Troy. Elle était juste si parfaite. Le Parrain a des tonnes de littérature qui lui sont consacrées, et malgré la dissection nauséabonde du monde du cinéma de l'épopée de gangsters, les conversations ne cesseront jamais.
Les thèmes du respect, de l'honneur et de la famille sont profondément ancrés dans la trilogie de Coppola, et bien que de nombreux Corleones aient du sang sur les mains, ils se sont fait aimer du public par leur passion et leur ferveur pour la vie. Les valeurs de production sont transcendantes et les contrastes entre des personnages comme Michael et Sonny Corleone en font un film vraiment brûlant.
4 Le diplômé (1967)
"Mme. Robinson, vous essayez de me séduire. N'est-ce pas? Mike Nichols remplit son deuxième film avec suffisamment de références phalliques et d'images pour justifier une cote R, mais sa ruse et sa classe de réalisateur lui ont valu un PG adapté aux parents. Le diplômé est devenu le pilier de la carrière de Nichols et Dustin Hoffman, avec ce courant sous-jacent d'agitation sexuelle et de crises d'identité qui résumaient l'époque.
Bien sûr, regarder Benjamin Braddock (Hoffman) dormir avec la séduisante Mme Robinson (Anne Bancroft) s'est avéré controversé pour l'époque, mais cela a donné au public l'une des histoires de passage à l'âge adulte les plus amusantes et les plus engageantes à filmer. Prenant place dans les années 1960 où la famille nucléaire américaine avait beaucoup moins de fission que la bombe atomique, les coups ironiques de Nichols sur la culture («plastiques») étaient avancés, impeccables et inimitables.
3 Au bord de l'eau (1954)
On the Waterfront était basé sur une poignée d'articles publiés en 1949 qui exposaient la brutalité et les luttes intestines parmi les débardeurs du New Jersey, faisant du film une opportunité unique. Fournissant la source ultime pour un film, le journaliste Malcolm Johnson a donné au réalisateur Elia Kazan le genre de matières premières et de réalisme qu'il s'est toujours efforcé de trouver.
Kazan était connu pour avoir provoqué des bagarres et des insécurités sur ses décors, allumant la mèche de ce qu'il espérait être une explosion de baril de poudre une fois que les caméras commenceraient à tourner. Terry Malloy (Marlon Brando dans l'un de ses rôles les plus durables) représente le col bleu américain qui a eu une chance de remporter la gloire et qui l'a raté, dupé dans la dégradation par son duplicité patron de la mafia Johnny Friendly (Lee J. Cobb, l'ultime à l'écran menace).
En fin de compte, le film a braqué les projecteurs sur la corruption incrustée dans les docks de Hoboken et a donné aux cinéphiles une tranche de vie qui ne peut jamais être reproduite.
2 Lawrence d'Arabie (1962)
Peter O'Toole est un poids lourd dans la tradition cinématographique, et bien qu'il ait en quelque sorte échappé à la faveur de l'Académie et n'ait pas remporté le prix du meilleur acteur pour Lawrence d'Arabie, son portrait de TE Lawrence a défini le héros hollywoodien. Mince et éduqué avec l'énonciation d'un savant anglais, O'Toole transforme Lawrence en un brillant cow-boy des sables arabes.
L'épopée de David Lean en 1962 dépeint son personnage éponyme en tant que héros britannique qui a contribué au succès de l'Union Jack dans la péninsule arabique pendant la Première Guerre mondiale. Un John Wayne régulier qu'il n'était pas, cependant, et c'est là que O'Toole a trouvé de la place pour ses côtelettes d'acteur de premier ordre. Dans le film (brillamment tourné par le directeur de la photographie Freddie Young), TE Lawrence est présenté comme un guerrier rempli de scrupules, en conflit avec ses hésitations violentes et pacifiques. Il porte son SSPT empreint de culpabilité sur ses manches en robe bédouine, mais dans un style anglais classique, ses propres soucis ne l'empêchent pas de remplir son devoir.
Lawrence d'O'Toole lutte avec ses responsabilités, mais n'est jamais avalé par elles. Produit bien après la sortie de Autant en emporte le vent, Lawrence d'Arabie peut à juste titre être considéré comme une extension de l'épopée de Victor Fleming, montrant à Hollywood le potentiel illimité de la narration cinématographique.
1 Une orange mécanique (1971)
Refaire un film de Kubrick prendrait une incroyable chutzpah. Comment commencer à accéder à l'approche minutieusement particulière du célèbre réalisateur en matière de cinéma? L'entrée la plus intouchable de son œuvre est peut-être A Clockwork Orange, un véritable voyage sur une voie mentalement instable qui comprend l'une des scènes les plus sadiques jamais mises en scène sur l'innocent «Singin 'in the Rain». Pauvre Gene Kelly.
Alex (Malcolm McDowell) est le fer de lance du gang de jeunes cockney lié à la Grande-Bretagne qui viole et pille son chemin à travers une société de plus en plus brisée. C'est un film bouleversant et choquant qui attaque les yeux tout en jetant des coups de poing à notre sens de la moralité et de la raison. S'il y a une image dans le film qui capture le mieux les capacités de Kubrick, c'est sans aucun doute la scène dans laquelle Alex a les yeux mécaniquement ouverts et nourris de force des images d'assaut qui recâblent son cerveau.
Merci, Stanley.
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