Avec un box-office international de plus de 700 millions de dollars dans le monde et 354 millions de dollars au niveau national, Wonder Woman de Patty Jenkins se classe facilement comme l'un des films les plus réussis commercialement jamais réalisé ou co-réalisé par une femme.
Il a également reçu un éloge critique écrasant dans tous les domaines, avec une note étonnante de 92% sur Rotten Tomatoes, le certifiant officiellement comme «frais».
Si certains éloges peuvent être excessifs, on ne peut nier le succès remarquable du film à la fois en tant qu'œuvre de divertissement et en tant que point de ralliement culturel pour l'avancement des femmes dans le cinéma.
Dans cet article, nous reviendrons sur l'histoire du cinéma et nous nous souviendrons du rôle important que les réalisatrices y ont joué. Du travail pionnier d'Alice Guy-Blaché au couronnement de Kathryn Bigelow à la 82 e cérémonie des Oscars, les femmes ont toujours été à la pointe du progrès cinématographique.
Pour les célébrer, voici une liste des 16 meilleurs films de tous les temps réalisés par des femmes, classés.
16 Le Babadook (2014 - réal.Jennifer Kent)
Presque tous les grands films d'horreur ont un courant de douleur réprimée dont les démons, les fantômes, les monstres et les tueurs sont une expression agressive. De ce truisme bien connu, Jennifer Kent a extrait le film le plus poignant sur le chagrin et la dépression depuis Melancholia de Lars Von Trier et l'une des représentations les plus vraies de la parentalité jamais filmées.
Au lieu d'utiliser sa métaphore comme argument principal de l'histoire, The Babadook la construit sur une base de scènes inconfortablement réalistes de conflit mère-fils dont le monstre titulaire émerge comme un aboutissement logique, faisant de manière transparente la transition du film dans le domaine du fantasme expressionniste.
Ce sont les performances de duel d'Essie Davis et Noah Wiseman qui dynamisent le film et lui confèrent sa puissance terrifiante. Ces dernières années, The Babadook est également devenu un symbole pour la communauté LGBTQ.
15 Jeanne Dielman, 23 Quai Du Commerce, 1080 Bruxelles (1975 - réal. Chantal Akerman)
Imaginez ceci: un film de trois heures sur la routine quotidienne d'une mère célibataire alors qu'elle se lève, prend un bain, prépare son fils pour l'école, nettoie son appartement, fait l'épicerie, prépare le dîner et se prostitue (principalement hors écran) pour payer les factures. Jeanne Dielman se déroule en longues prises uniques, dans lesquelles aucun détail de ses actions n'est épargné, avec des dialogues clairsemés et aucune narration en voix off pour préciser ses pensées.
Si cela ressemble à un test d'endurance, c'est parce que dans une certaine mesure, c'est le cas. En partageant chaque minute et chaque bout de silence avec nous, Chantal Akerman met à l'épreuve notre patience et notre capacité d'empathie pour mieux révéler la signification que ces tâches portent pour son protagoniste, et le tribut qu'elles lui font lentement.
Ancrée par un tour de force discrètement dévastateur de Delphine Seyrig, Jeanne Dielman est un chef-d'œuvre de l'horreur sociale, dont la puissance à combustion lente reste sans précédent à ce jour.
14 14. Clueless (1995 - réal. Amy Heckerling)
C'est ce détail crucial qui sépare les bons films pour adolescents des mauvais, et Clueless le fait sortir du parc. C'est observateur, drôle et beaucoup plus intelligent qu'il n'y paraît au départ - un match parfait pour son protagoniste.
13 Le Prince d'Egypte (1998 - réal.Brenda Chapman & Simon Wells)
L e Prince Of Egypt se présente comme une sorte d'anomalie dans la filmographie de DreamWorks, vieille de près de deux décennies: à des kilomètres de la tendance branchée des enfants cool qui définit maintenant la plupart de leur production post-Shrek.
Cette interprétation animée de l'histoire de Moïse et de sa libération des Hébreux de l'esclavage égyptien est majestueuse, respectueuse et sérieuse d'une manière qui manque même aux productions Disney actuelles. Utilisant la relation fraternelle de Moïse et Pharaon Ramsès II comme point central du conflit, le film de Brenda Chapman et Simon Wells aborde la foi, la loyauté et l'amour avec une candeur adaptée aux enfants qui, malgré ses origines corporatives, lui donne une impression beaucoup plus personnelle. que les épopées bibliques d'autrefois.
Une chose qu'il a en commun avec les épopées bibliques classiques, cependant, est un casting de stars vantant Val Kilmer comme Moïse, Sandra Bullock comme Miriam, Jeff Goldblum comme Aaron et - le meilleur de tous - Ralph Fiennes comme Ramsès.
L'humanité pleinement réalisée des personnages place leurs luttes avec Dieu, le pouvoir et le destin à un niveau familier, les magnifiant d'une manière qui nous humilie. Qui aurait pensé qu'un film d'animation pour enfants serait l'une des adaptations religieuses les plus profondes jamais réalisées?
12 Tomboy (2011 - réal. Céline Sciamma)
Sorti en avril 2011 à l'éloge critique au box-office français, cette histoire douce suit une fille androgyne de 10 ans qui s'habille en garçon pour s'adapter dans son nouveau quartier et développe un béguin mutuel pour une fille locale.
Il a acquis une notoriété inattendue en 2013 après que des groupes de parents conservateurs se sont plaints qu'il soit montré aux élèves du primaire dans le cadre d'une initiative d'études cinématographiques soutenue par le gouvernement. Dans le contexte de la récente légalisation du mariage homosexuel aux États-Unis et du débat houleux à l'échelle nationale qui l'entoure, l'idée d'écoliers regardant quelqu'un de leur âge explorer son identité sexuelle à l'écran a été perçue par les opposants comme une attaque provocatrice contre leur innocence.
Ironiquement, l'innocence est l'une des principales qualités du film. Telle une amie invisible, la caméra de Sciamma nous invite dans le monde de son protagoniste sans en faire un objet d'étude sociologique ou d'exploitation. Ce tact intelligent fait de Tomboy l'un des meilleurs films jamais réalisés sur la nature performative des rôles de genre et les frontières floues entre les sexes qu'ils dissimulent.
11 Le piano (1993 - réal. Jane Campion)
Avec une Palme d'or au Festival de Cannes, trois Oscars sur huit nominations aux 66 ème Oscars, et 140 millions de dollars au box-office international contre un budget de 7 millions de dollars, Le Piano est certainement l'un des films les plus réussis jamais réalisé par une réalisatrice.
Situé dans la Nouvelle-Zélande du 19 e siècle, il raconte l'expérience d'une jeune femme muette vendue en mariage à un riche pionnier et son combat pour l'indépendance et l'expression de soi. Cela est signifié par le contrat sexuel qu'elle conclut avec un marin blanc à la retraite en échange du seul moyen d'expression dont elle dispose vraiment: son précieux piano.
Jane Campion transmet les sentiments de déplacement, de dépression et d'espoir de son personnage avec une sensualité enivrante qui rappelle la grande poésie romantique de l'époque. L'amour, la douleur, la cruauté et la passion se succèdent dans une danse enivrante qui culmine en une finale miraculeuse qui vous laisse à la fois ébranlé et exalté.
10 Fast Times At Ridgemont High (1982 - réal.Amy Heckerling)
Avant de revitaliser la comédie du lycée américain avec Clueless, Amy Heckerling l'a lancée en 1982 avec Fast Times At Ridgemont High. Le film parvient à compresser une année entière d'escapades, de courtois et de transgression des règles en une durée de 90 minutes.
Il suit un réseau diversifié d'étudiants, allant de la deuxième vierge de Jennifer Jason Leigh, Stacy, au stoner voleur de scènes de Sean Penn, Jeff Spicoli, alors qu'ils naviguent dans les hiérarchies générationnelles, sociales et sexuelles de leur école.
Tel un pont entre American Graffiti et Dazed And Confused, Fast Times At Ridgemont High est une comédie pour adolescents dont les rires nous informent autant qu'ils divertissent. La direction attentive de Heckerling et ses choix de chansons impeccables, associés à un scénario impeccablement équilibré, gracieuseté d'un jeune Cameron Crowe, démontrent une compréhension empathique de la psyché adolescente que peu de cinéastes ont rivalisée avant ou depuis.
9 The Virgin Suicides (2000 - réal.Sofia Coppola)
"Evidemment docteur, vous n'avez jamais été une fille de 13 ans"
Ainsi parle Cecilia Lisbon, la plus jeune d'une fraternité de cinq filles d'une famille catholique conservatrice de la classe moyenne supérieure du Michigan dans les années 1970, à l'infortunée psychiatre essayant de comprendre sa tentative de suicide. Ses propos - froids, directs et perçants - résument l'intégralité du premier long métrage de Sofia Coppola, dans lequel un groupe d'adolescents témoigne impuissant de la mystérieuse désintégration des filles.
L'accent mis par Coppola sur l'ennui existentiel des femmes et des filles privilégiées a attiré sa part de critiques, mais sa compréhension de la psyché adolescente fait tomber toutes les barrières de classe ici. Ceci est aidé par les performances extrêmement précises de Kirsten Dunst, Kathleen Turner et James Woods. Tour à tour joyeux, doux-amer et pressentiment, The Virgin Suicides brille du réalisme exacerbé de souvenirs qui finissent par se fondre dans nos rêves.
8 Persépolis (2007 - réal. Marjane Satrapi & Vincent Paronnaud)
Les adaptations de bandes dessinées ne vont pas beaucoup mieux que l'adaptation animée nominée aux Oscars de Marjane Satrapi et Vincent Paronnaud du roman graphique autobiographique du premier sur la croissance en Iran à l'époque de la Révolution et les espoirs écrasés, la tyrannie hyper-patriarcale et l'émancipation rebelle qui accompagnent il. Utilisant un style d'animation aux lignes nettes qui contraste le noir, le blanc et le gris pour un effet vif, Persepolis bondit sur le spectateur comme un livre pop-out qui prend vie.
Ce style fonctionne comme un souvenir illustré de la mémoire juvénile qui transmet toutes ses émotions associées avec une touche de lucidité tordue adulte. Avec un cocktail impeccablement équilibré d'humour d'autodérision et de mélancolie douce-amère, le fantasme de l'enfance et l'angoisse politique des adolescents trouvent une manifestation visuelle commune qui complexifie et démystifie à la fois l'histoire moderne du pays.
7 Orlando (1992 - réal. Sally Potter)
L'androgynie de Tilda Swinton n'a jamais été mieux utilisée que dans cette adaptation exquise de 1992 du roman révolutionnaire de Virginia Woolf. Il suit un noble élisabéthain dont le sexe change mystérieusement d'homme à femme, et qui par la suite expérimente des siècles de sexisme, de chagrin et d'amour tout en conservant une jeunesse éternelle.
Entre les mains de Sally Potter, cette réflexion sur le genre, le sexe, le pouvoir et la mortalité devient un conte de fées contemplatif qui transporte son public dans un lieu de fuite temporelle suspendue, où les seules règles directrices sont les pensées et les sentiments de son personnage principal.
Cela permet au film de glisser à travers différentes périodes de temps comme un visiteur patient dans un musée. Orlando coule comme une rivière tranquille, confiante dans sa direction mais ne vous donnant jamais une vision entièrement cartographiée de sa destination ultime jusqu'à son coup final parfait.
6 chansons que mes frères m'ont enseignées (2015 - réal. Chloé Zhao)
L'entrée la plus récente de cette liste est un film indépendant américain sorti uniquement dans les salles françaises et new-yorkaises. Situé dans la réserve Lakota de Pine Ridge, dans le Dakota du Sud, Songs My Brothers Taught Me suit Jashaun, 11 ans, et son frère adolescent Johnny dans leur vie quotidienne, alors que la mort inattendue de leur père biologique les laisse réfléchir à leur avenir et à leur place dans un communauté luttant pour sa survie.
La réalisatrice pour la première fois Chloé Zhao peint les espoirs, les rêves et les peurs de son personnage avec un pinceau délicatement impressionniste qui évite les clichés émotionnels avec une maturité que les cinéastes plus chevronnés atteignent rarement.
Elle n'exige ni pitié ni sympathie de son public, choisissant plutôt d'attirer l'attention sur le besoin profondément humain de ses personnages de se connecter et d'appartenir à travers un montage subtil, des performances semi-improvisées et une caméra qui parvient à être à la fois omniprésente et discrète. Calme, retenu et respectueusement compatissant, le film de Zhao éveille la conscience sociale du spectateur avec un pouvoir discrètement évocateur.
5 American Psycho (2000 - réal. Mary Harron)
L'adaptation par Mary Harron du roman d'horreur satirique prétendument irréfutable de Bret Easton Ellis sur un yuppie dérangé et misogyne de Wall Street - qui peut ou non être un tueur en série - a tellement imprégné la conscience populaire qu'il est facile d'oublier à quel point il était controversé à son époque. Libération. En plus des objections féministes sur le contenu du matériel source, de nombreux critiques de cinéma l'ont rejeté comme étant facile, édenté et extrêmement superficiel.
Aussi compréhensibles que soient ces critiques, elles passent à côté de la subversivité intelligente du style séduisant de Harron et de la performance inconsciente de Christian Bale. Sa comédie n'est pas tant dénonciante que curieuse; utilisant une cinématographie à suspense et des performances exagérées de la masculinité capitaliste, elle retourne l'allure élégante de l'artifice contre lui-même pour mieux exposer le vide qui se cache derrière lui.
4 Comportement approprié (2015 - réal. Desiree Akhavan)
Sorti en salles en 2015 après avoir passé un an à être projeté dans des festivals de cinéma à travers le monde, le premier long métrage de Desiree Akhavan en tant qu'acteur, écrivain et réalisateur signale l'émergence d'un nouveau talent exceptionnellement vif et revigorant.
À une époque où les comédies indépendantes centrées sur la vie amoureuse et sexuelle des New-Yorkais névrosés de la classe moyenne sont devenues presque aussi jouées que des superproductions d'action remplies d'explosions, ce qu'accomplit Appropriate Behavior est tout simplement miraculeux.
Avec une précision extrême et un timing de bande dessinée d'une précision dévastatrice, Akhavan s'appuie vaguement sur sa propre expérience pour raconter les crises d'identité de la Perse Brooklynite Shirin, alors qu'une rupture avec sa petite amie la lance dans une quête d'auto-évaluation.
Tout au long de son parcours, elle expérimente le sexe, essaie de se conformer aux attentes féministes libérales et se débat avec la décision de sortir ou non à ses parents. Regarder une comédie d'une sincérité et d'une justesse humaine aussi désarmantes, c'est gagner l'espoir pour l'avenir du genre et du cinéma américain.
3 35 Shots Of Rum (2008 - réal. Claire Denis)
Connue pour ses méditations filmiques sur l'impact de l'héritage colonial de la France, Claire Denis est l'une des cinéastes vivantes les plus respectées de France et, en regardant 35 Shots Of Rum, il est facile de comprendre pourquoi.
Après le chef de train antillais Lionel et sa fille post-adolescente Joséphine alors qu'ils apprécient le temps qu'ils ont laissé ensemble avant leur inévitable séparation, Denis tisse une tapisserie extraordinairement riche de la vie humaine à partir de simples sentiments et d'événements quotidiens.
Chaque personnage, scène et action semble à la fois intimement familier et ouvertement nouveau, comme si vous viviez la vie de vieux amis et de votre famille du point de vue d'un inconnu invisible. Vous apprenez à connaître et à prendre soin de ces personnes d'une manière que vous n'auriez jamais cru possible pour des personnages de fiction. Le cinéma est rarement plus généreux, complexe et affirmant la vie que cela.
2 Wanda (1970 - réal. Barbara Loden)
Selon les règles traditionnelles de la narration cinématographique, Wanda devrait être un échec complet. Il s'agit d'un portrait épisodique, finement tracé, d'une protagoniste exaspérante passive - et presque muette - qui laisse les choses lui arriver sans aucune initiative de sa part et résiste obstinément à toute tentative du public de s'identifier à elle.
Pourtant, en réduisant au strict minimum toutes ces bases narratives, la réalisatrice, scénariste et star Barbara Loden donne à son personnage une réalité douloureuse contrairement à tout ce qu'un film plus conventionnellement réaliste pourrait produire.
En tant qu'actrice, Loden était à l'origine connue du grand public comme l'épouse du célèbre cinéaste Elia Kazan. Wanda a malheureusement fini par être son seul long métrage, mais, avec ce seul film, elle a tout autant fait pour pionnier dans l'art du cinéma que son mari avec 21 ans.
1 Wonder Woman (2017 - réal. Patty Jenkins)
Les réalisations de Wonder Woman méritent certainement une mention honorable. En tant que premier film DC Extended Universe et premier film de super-héros dirigé par une femme à recevoir des critiques extrêmement positives, il a brisé simultanément deux tendances négatives. En tant qu'histoire d'origine, il a réussi à frapper des rythmes familiers tout en peaufinant suffisamment de détails pour offrir quelque chose de nouveau.
En effet, le principal succès de Wonder Woman en tant que film est la façon dont il utilise les racines féministes mythiques de son héroïne pour revitaliser des schémas narratifs autrement conventionnels - en particulier ceux impliquant Steve Trevor.
À travers les yeux curieux de Diana, qui ne sont pas entachés de cynisme, Patty Jenkins nous rappelle l'importance que les héros ont pour nous et corrige le malentendu superficiel de ses prédécesseurs à leur sujet. Ce sont les moments subtils du film qui rendent le film si satisfaisant.
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