«Le temps nous rend tous idiots», a déclaré le mathématicien Eric Bell. C'est une citation que vous avez probablement plusieurs fois, généralement lorsque quelqu'un déplore la perte du bon vieux temps ou de certaines circonstances actuelles. C'est un dicton déprimant d'autant plus tragique à quel point il s'avère souvent vrai. Les cinéphiles le savent bien. Souvent, nous nous souvenons d'un film plus ancien de notre jeunesse comme étant génial, ou entendons parler d'un film plus ancien qui a été considéré comme un classique, et nous sommes déçus lorsque nous le vérifions maintenant par nous-mêmes et découvrons qu'il n'a pas survécu à l'épreuve du temps.
La partie de cette citation qui a tendance à être coupée est "Notre seul réconfort est que plus grand viendra après nous." Il est parfois tentant de défendre les films classiques au fil des ans comme des exemples parfaits de ce que les films sont capables de faire à leur meilleur. Nous les mettons sur un piédestal si haut que nous sommes destinés à les admirer pour toujours, sans jamais atteindre leurs hauteurs incroyablement élevées. La vérité est que le temps peut rendre ridicules même les plus grands films (sans parler des superproductions plus modernes). Plutôt que de l'ignorer, il vaut peut-être mieux se rappeler que cela ouvre la voie à de plus grandes choses à venir.
Voici le point de vue de Screen Rant sur les 15 films classiques qui ont mal vieilli.
15 rues moyennes (1973)
Le critique de cinéma bien-aimé Roger Ebert a un jour qualifié Mean Streets de «l'un des points de départ des films modernes». Cependant, de nombreux fans choisissent simplement de s'en souvenir comme du premier vrai film de Martin Scorsese. Bien que ce ne soit pas exact chronologiquement, c'est exact spirituellement. C'est le film qui a établi l'amour de Scorsese pour le langage grossier (il a établi un record pour la plupart des utilisations du mot F), les représentations réalistes du crime dans la ville et l'utilisation de musique sous licence pour mettre en scène. C'est un style que Scorcese et de nombreux autres réalisateurs ont continué à imiter et à perfectionner au fil des ans.
Cela fait partie du problème avec Mean Streets. C'est un brouillon qui serait édité par de nombreux grands visionnaires (notamment Scorsese lui-même) jusqu'à ce qu'il devienne un chef-d'œuvre intemporel dans des films comme Goodfellas. Il y a des exemples adorables de réalisation de films amateurs dans Mean Streets (scènes de combat qui ne se sentent pas chorégraphiées), mais une grande partie du film semble bâclée plutôt que brute. Taxi Driver, un film de Scorsese sorti trois ans seulement après Mean Streets, n'a rien perdu de sa morsure au fil du temps. Il est difficile de dire la même chose pour ce film qui était autrefois facile à féliciter pour être un autre type de film policier.
14 Les oiseaux (1963)
La grande majorité des films classiques d'Hitchcock ont incroyablement bien vieilli. Il est en fait assez effrayant de voir que des films comme Rear Window, Vertigo et North By Northwest ont encore peu d'égaux cinématographiques modernes. La grande chose à propos des meilleurs films de Hitchcock est qu'ils ont un moyen de vous immerger complètement dans leurs mondes. Hitchcock a utilisé son appareil photo comme un pinceau de peintre, pour détailler soigneusement chaque centimètre carré de chaque image. C'est ce niveau de contrôle qui l'a aidé à devenir "Le Maître du Suspense".
Peu de ces qualités intemporelles font leur apparition dans Les Oiseaux. Il y a quelques moments de beauté cinématographique dans Les oiseaux, mais c'est Hitchcock à son plus sans intérêt (ce qui n'est pas autant une insulte que vous le pensez). Une grande partie des éloges initiaux reçus par ce film concernait les effets spéciaux du film. Maintenant que ces effets sont si obsolètes, il devient beaucoup plus difficile de vraiment adhérer au principe «les oiseaux décident de commencer à attaquer les gens». Compte tenu du kilométrage que le film essaie de dégager de cette prémisse, c'est un problème. En ce qui concerne l'efficacité à long terme, cela ne tient pas une bougie à l'effort de genre précédent de Hitchcock, Psycho.
13 Petit déjeuner chez Tiffany (1961)
Il est assez facile de voir ce que les gens ont vu dans Breakfast At Tiffany's lors de sa première sortie en 1961. C'était une adaptation d'un roman à succès, il mettait en vedette l'incomparable Audrey Hepburn dans un rôle emblématique, et le film est incroyablement bien tourné (son meilleur la direction artistique Oscar est bien méritée). C'était une comédie romantique dans l'esprit des films classiques tels que It Happened One Night, mais avec juste assez de pertinence moderne pour lui donner un avantage. Regardez le film maintenant, cependant, et vous vous concentrerez probablement sur certaines choses que le public ne faisait pas à l'époque.
La plus notable de ces révélations modernes est le rôle horriblement raciste de M. Yunioshi, joué par Mickey Rooney. C'est une anomalie cinématographique en ce sens que c'est un portrait tellement ouvertement raciste qu'il transcende presque le racisme. En regardant au-delà même de ces éléments clairement datés, vous avez toujours un film qui ne parvient pas à trouver son point. Breakfast At Tiffany's de Truman Capote a raconté l'histoire déchirante d'une jeune fille essayant de trouver son chemin dans une ville difficile. Le plus grand péché du film est qu'il a «hollywoodisé» tant d'éléments de l'histoire originale d'une manière pour laquelle le public moderne diabolise souvent les studios.
12 La fièvre du samedi soir (1977)
«Mais Saturday Night Fever est un instantané des années 70!» vous dites peut-être. Si c'est le cas, vous n'avez certainement pas tort. Le film de John Badham de 1977 sur un enfant de Brooklyn nommé Tony essayant simplement de passer un bon moment et peut-être de trouver un peu de gloire en tant que meilleur danseur de son coin du monde capture certainement l'esprit des années 70. La mode du film est généralement ce à quoi pensent beaucoup de gens lorsqu'ils essaient de se représenter la jeunesse de cette période. C'est la bande-son immortalisée à jamais des Bee Gees et autres légendes du disco, les scènes de danse sont superbes, l'ambiance est animée et la mise en scène est assez précise.
La raison pour laquelle Saturday Night Fever est daté n'a rien à voir avec la musique ou la mode et a tout à voir avec les personnages. Tony est le plus généreusement décrit comme un meathead. Il a un esprit à sens unique qui le conduit généralement à essayer d'avoir autant de relations sexuelles que possible ou à soulever un enfer inutile. En cette ère d'épidémie pré-sida, cela aurait peut-être été plus facile à avaler, mais les aventures de mâle alpha promiscuité de Tony et de son groupe d'amis à la tête vide et à la recherche de sensations fortes sont dignes aujourd'hui. La tentative de viol de Stéphanie par Tony après un concours de danse est probablement le moment où les téléspectateurs modernes choisissent simplement de passer à autre chose.
11 Témoin à charge (1957)
Witness For The Prosecution n'était certainement pas le premier film dramatique de salle d'audience, mais il est facile de retracer le genre tel que nous le connaissons maintenant aux influences de ce film. C'est l'histoire d'un homme accusé de meurtre malgré les nombreuses preuves circonstancielles de l'affaire. Les choses arrivent à un point où l'accusation et la défense se rendent compte que toute l'affaire peut dépendre du témoignage de l'épouse du défendeur. Le reste de l'histoire se déroule à travers une série de rebondissements, le genre que nous associons si souvent à de telles épopées d'audience.
Car aussi innovant que soit le film à cet égard, il révèle également son âge dans la façon dont ces moments se déroulent. Les événements du procès sont censés choquer et surprendre les téléspectateurs, mais une grande partie du choc a été diluée au fil des ans par la nature vanille de l'affaire elle-même. Compte tenu de certaines des tragédies dont nous entendons parler quotidiennement, le meurtre d'une femme riche âgée est à peine enregistré. Le fait que certains des moments les plus importants du film soient livrés d'une manière incroyablement maladroite n'aide certainement pas. En fait, le cri de Marlene Dietrich "Damn You!" est juste là-haut avec «Non!» de Dark Vador en termes de livraisons dramatiques devenues comiques. Espérons que le prochain remake (éventuellement réalisé par Ben Affleck) aura plus de poids dans les années à venir.
Dix Rebelle sans cause (1955)
À une époque où les Américains commençaient tout juste à prendre conscience que les adolescents étaient leur propre groupe d'adolescents, Rebel Without A Cause est venu et a tenté de faire appel à ce groupe démographique en plein essor. C'était le film qui promettait enfin de faire la lumière sur cette génération incomprise. Pour cette raison, il a attiré une quantité égale de controverses et de distinctions. Des nations entières craignaient son pouvoir d'inciter à la rébellion des adolescentes. D'autres l'ont simplement salué comme une révolution.
De nos jours, il est beaucoup plus facile de traiter le film comme une parodie de son temps. En fait, il y a beaucoup d'aspects de ce film qui ont continué à être parodiés. Les gangs over-the-top (nous sommes un numéro de danse loin de West Side Story dans celui-ci), le jeu d'acteur over-the-top (James Dean "Vous me déchirez!" A été l'inspiration pour la livraison de The Room de la même ligne), et l'utilisation prolifique d'acteurs plus âgés jouant des adolescents sont tous dignes d'un solide coup d'œil. Presque tout dans ce film a été conçu pour générer une réaction émotionnelle du public de l'époque. Maintenant, cette comédie involontaire est plus susceptible de générer des rires.
9 True Grit (1969)
True Grit est dans un endroit étrange, historiquement parlant. Il est sorti en 1969, trois ans après The Good, The Bad et The Ugly et la même année que Butch Cassidy and the Sundance Kid. Bref, il est sorti à un moment où le film occidental commençait à devenir un peu plus granuleux. Malgré son nom, True Grit n'essaie pas vraiment de tirer parti de ce nouveau style émergent. C'est un genre classique de western sorti à une époque où le genre mûrissait.
C'est en partie la raison pour laquelle le film est un peu plus difficile à prendre de nos jours. Il n'a pas tout à fait le charme innocent non filtré des premiers occidentaux, et il lui manque également la maturité sombre de certains de ses contemporains. La manière à l'ancienne avec laquelle le film met si fortement en vedette John Wayne devient également un problème. Ses performances sont certes magnétiques, mais elles se font au détriment de presque tout le monde. Contrairement à la version du film de Coen Brother, qui décrit les héros de soutien comme des égaux, la version de 1969 est clairement le spectacle de John Wayne. C'est une mentalité d'homme de premier plan dépassée qui rend certains rôles de soutien (en particulier La Boeuf de Glen Campbell) presque insupportables.
8 Une affaire à retenir (1957)
Une affaire à retenir commence par une prémisse relativement simple. Nickie Ferrante (Cary Grant) croise Terry McKay (Deborah Kerr) par hasard. Les deux sont en couple, mais ils sont clairement attirés l'un par l'autre. A ce titre, ils acceptent de se retrouver dans six mois à l'Empire State Building pour voir où ils en sont dans la vie. Dans une tournure choquante des événements, Terry est heurté par une voiture en route vers l'Empire State Building. En tant que telle, elle ne participe pas à la réunion et ne prévoit pas de retrouver Nickie.
Voici où le film commence à se dater. An Affair to Remember est en fait un remake d'un film de 1939 intitulé Love Affair, qui devient évident lorsque vous commencez à endurer une série de lignes romantiques ringardes telles que «L'hiver doit être froid pour ceux qui n'ont pas de souvenirs chaleureux» et «S'il y avait pour arriver à l'un de nous, pourquoi cela n'aurait-il pas pu être moi? Ce niveau extrême de scepticisme nuit à une prémisse qui était déjà sur un terrain instable avec son «Un homme peut-il vraiment aimer une femme en fauteuil roulant?» terrain.
7 Le son de la musique (1965)
Existe-t-il une note G dure? Si c'est le cas, alors The Sound of Music le gagne. Tout d'abord, soyons clairs: les comédies musicales innocentes d'autrefois ne vieillissent pas automatiquement mal. Mary Poppins, par exemple, est encore un film familial très intelligent et bien fait. Singin 'in the Rain est également un film particulièrement brillant sur une période de transition dans le cinéma qui se trouve être une comédie musicale. Le son de la musique, cependant, est une comédie musicale pour le plaisir d'être une comédie musicale.
Du point de vue de la production, les plans panoramiques de campagne qui sont toujours présentés lorsque le film est mis en évidence sont toujours impressionnants. Ce qui n'est généralement pas montré dans ces bobines de point culminant, cependant, ce sont les près de trois heures de cabré sans but et de numéros musicaux allongés conçus pour ne plaire qu'aux sycophants chantants. Le film est vraiment un produit de son temps dans le sens où il est présenté comme un hommage glorieux au genre musical très populaire d'action en direct. Cela fonctionnait assez bien pour le public en 1965, mais en 2016, ceux qui veulent regarder une grande comédie musicale hollywoodienne trouveront de nombreuses alternatives qui ont un but beaucoup plus narratif. Les meilleures parties de celui-ci peuvent être entendues sur la bande originale officielle.
6 La naissance d'une nation (1915)
Il y a deux points de vue distincts en ce qui concerne The Birth of a Nation de DW Griffith. Le premier est que le film est sans doute le film le plus important de l'histoire de la production cinématographique. Quiconque a assisté à une classe d'école de cinéma a entendu cette perspective. Pour un film réalisé en 1915, La naissance d'une nation semble presque avoir pu être tourné au cours des 10 dernières années. L'autre point de vue identifie à juste titre ce film comme l'un des films les plus ouvertement racistes jamais réalisés. Cela a probablement quelque chose à voir avec le fait qu'il dépeint le Ku Klux Klan comme des héros presque intacts.
Au fil du temps, la controverse commence à l'emporter largement sur la piste cinématographique du film. Il n'est pas facile de regarder Naissance d'une nation et de dépasser ses éléments sociaux les plus anciens. C'est un obstacle qui ne devient pas beaucoup plus facile à surmonter lorsque vous réalisez que ce film a suscité un regain d'intérêt pour l'adhésion au KKK et était à l'origine intitulé The Clansman. L'utilisation prolifique de blackface tout au long du film n'est que le dernier clou dans le cercueil.
5 Easy Rider (1969)
Vous ne pouvez pas surestimer l'impact d'Easy Rider sur le cinéma américain. Il est à juste titre reconnu comme le film qui a contribué au lancement de ce que l'on appelle communément l'ère du Nouvel Hollywood. Cette époque est caractérisée par la volonté des studios de laisser les réalisateurs américains assumer un rôle d'auteur et avoir le contrôle créatif de leurs propres films. Sur le plan social, le film a parlé à une génération d'Américains vivant au milieu d'un climat culturel changeant. Il a embrassé l'attrait de la route ouverte tout en s'attaquant aux horreurs de certaines normes culturelles.
Ce n'est pas parce qu'un film est important qu'il a forcément bien vieilli, bien sûr. Il y a des problèmes avec ce film d'un point de vue technique (principalement liés à la structure de l'histoire), mais le vrai problème est le message d'Easy Rider. Ses thèmes de contre-culture ont facilement résonné avec une génération révolue à qui les films parlaient si rarement, mais les aventures de Wyatt et Billy sembleront probablement égoïstes et superficielles lorsqu'elles sont vues sous un jour moderne. Ce film a une fois parlé aux gens. Maintenant, il leur crie dessus avec une rhétorique fatiguée.
4 Bonnie et Clyde (1967)
Pour être honnête, il y avait un bon nombre de personnes qui n'étaient pas trop folles de Bonnie et Clyde lors de sa sortie. Ceux qui n'aimaient pas le film citaient souvent sa violence et son contenu sexuel comme la raison de leur mécontentement. C'était l'une des premières grandes sorties de l'histoire du cinéma américain à vraiment sensationnaliser la violence en ne craignant pas de la montrer en entier. Les squibs étaient utilisés assez généreusement pour les effets de coups de feu. Il n'avait également aucun scrupule à jouer la relation hautement sexuelle entre ses personnages principaux. En fin de compte, cependant, le film a été reconnu comme une sortie historiquement significative qui a changé la façon dont les films américains dépeignent la violence.
Depuis lors, une pléthore de films ont vu le jour qui font que la violence de Bonnie et Clyde ressemble à un dessin animé du samedi matin. Il serait presque impossible pour quiconque a régulièrement regardé des films des 20 à 30 dernières années de regarder Bonnie et Clyde et de se sentir choqué par tout ce qu'ils ont vu. Sans cette même réaction émotionnelle que le film a une fois générée, Bonnie et Clyde devient beaucoup plus remarquable pour sa présentation souvent extravagante et sa narration bâclée. Cela en fait un film de drive-in assez divertissant, mais pas un film qui serait un chéri des récompenses selon les normes d'aujourd'hui (il a été nominé pour 10 Oscars à l'époque).
3 Le grand enfer (1974)
Au moment de sa sortie, The Towering Inferno était une très bonne idée pour un film majeur. Suivant les traces de The Poseidon Adventure, ce film a rassemblé autant de stars que le studio pouvait se le permettre dans un bâtiment qui a pris feu et qui s'effondre rapidement. C'était un film catastrophe avant que ce titre ne soit nécessairement appliqué au genre, et le public était attiré par sa puissance et son spectacle. C'est en fait un précurseur du blockbuster moderne de cette manière.
Il y a eu de nombreux blockbusters au fil des ans qui n'ont pas bien vieilli, mais The Towering Inferno se démarque de plusieurs manières. Tout d'abord, alors que Paul Newman et Steve McQueen sont toujours des tirages majeurs, la puissance de la star du film ne transcende pas les générations à moins que vous n'ayez toujours voulu voir Fred Astaire et OJ Simpson dans le même film. Avion! La dissection experte de tout ce sous-genre n'a pas non plus fait de faveur aux moments dramatiques de ce film. On ne peut accepter que tant de baisers finaux «Au cas où je ne te reverrais plus» et «Prends-toi femme!» quelques instants avant que vous vous rendiez compte que c'était certainement le produit d'une autre époque.
Soupe aux 2 canards (1933)
Vous pensez peut-être que les films des années 20 et 30 ne sont que des choix faciles. Combien de choses vieillissent vraiment bien après près de 100 ans? Il y a vraiment pas mal de films de cette période qui sont toujours d'actualité. Les œuvres de Charlie Chaplin, par exemple, se distinguent par leur humour et leur profondeur émotionnelle surprenante. On ne peut pas facilement en dire autant des Marx Brothers. Harpo, Groucho, Gummo et Zeppo Marx étaient un groupe comique qui était autrefois le toast du cinéma des débuts. Bien qu'ils aient eu de nombreux films populaires, peu sont devenus aussi importants que la soupe au canard de 1933.
Regarder Duck Soup maintenant équivaut à peu près à voir un humoriste lancer une blague après une blague au public. Un couple peut atterrir, mais c'est plus une question de volume que d'humour. Ce style est certainement démodé et Duck Soup n'aide pas sa propre cause en se concentrant sur l'humour politique. Non seulement de nombreuses références du film vont voler au-dessus de la tête du spectateur moderne moyen, mais cela signifie que même les meilleures blagues se présentent comme ces vieux dessins animés politiques où la blague est clairement étiquetée, afin d'éviter toute confusion potentielle.
1 Autant en emporte le vent (1939)
Autant en emporte le vent est tellement synonyme de films classiques qu'il approche du statut de mème. Par exemple, si vous mangez un bon hot-dog, vous pourriez dire: «C'était l'autant en emporte le vent des hot-dogs». (Eh bien, vous pourriez.) C'est une épopée de film dans le vrai sens du mot. Couvrant plusieurs lieux élaborés et présentés dans des couleurs magnifiques, ce film a été réalisé pour un montant choquant de 3,85 millions de dollars (environ 66 millions de dollars aujourd'hui), et presque chaque dollar de ce budget est affiché à l'écran. Il a établi une norme de production qui ne serait pas égalée dans les années à venir.
Il est également assez dépassé à bien des égards. Du point de vue du cinéma, les scènes étirées et les performances trop dramatiques ne sont plus aussi digestes qu'elles l'étaient autrefois. Vous avez également plusieurs moments malheureux de messages politiques à l'envers. Autant en emporte le vent, la représentation de l'esclavage et du «Vieux Sud» en général est souvent douloureusement romancée. Il y a aussi la question de la scène impliquant Rhett se forçant à Scarlett afin de donner ici «ce qui lui arrive». Il était une fois, cela passait comme une romance cinématographique, mais maintenant, c'est plus communément appelé viol. Explication de Rhett que ses actions étaient justifiées parce qu'il avait trop bu ne résout certainement pas le problème.
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